Me voilà plongée dans l’histoire hilarante et anachronique qui raconte le début de la guerre de Troie. Tous y sont : Hector, Pâris et sa belle Hélène, Andromaque, priam et tous les autres. Mais dès les premières répliques nous comprenons vite que nous avons à faire à tout le contraire d’une pièce classique. Les dialogues sont rocambolesques et moqueurs, Hélène est ridiculisée puisque l’auteur la fait passer pour une véritable idiote, la gloire de Troie se joue sur des gifles, des citations célèbres sont écorchées… C’est un régal !

Mais le plus intéressant, je pense, est de savoir que cette oeuvre a été écrite en 1935, et, à travers ses lignes qui font sourire, Jean Giraudoux nous dresse une véritable critique de la future Seconde Guerre Mondiale, avec de nombreuses références aux attentats et conférences de l’époque, ainsi qu’à la guerre de 14-18. C’est donc sur un large tapis de cynisme que l’auteur nous donne une version plus drôle des origines de la guerre de Troie. A dévorer en une ou deux heures, sous la couette avec un thé à la menthe !

« Acte I, Scène 7
HÉLÈNE, PÂRIS, HECTOR.

PÂRIS.

Hélêne chérie, voici Hector. Il a des projets sur toi, des projets tout simples. Il veut te rendre aux Grecs et te prouver que tu ne m’aimes pas… Dis-moi que tu m’aimes, avant que je te laisse avec lui… Dis-le moi comme tu le penses.

HÉLÈNE.

Je t’adore, chéri.

PÂRIS.

Dis-moi qu’elle était belle, la vague qui t’emporta de Grèce !

HÉLÈNE.

Magnifique! Une vague magnifique !… Où as-tu vu une vague ? La mer était si calme…

PÂRIS.

Dis-moi que tu hais Ménélas…

HÉLÈNE.

Ménélas ? Je le hais.

PÂRIS.

Tu n’as pas fini… Je ne retournerai jamais en Grèce. Répéte.

HÉLÈNE.

Tu ne retourneras jamais en Grèce.

PÂRIS.

Non, c’est de toi qu’il s’agit.

HÉLÈNE.

Bien sûr ! Que je suis sotte !… Jamais je ne retournerai en Grèce.

PÂRIS.

Je ne le lui fais pas dire… À toi maintenant.
Il s’en va. »

à lire en entier ici !

Boy and Dog in a Johnnypump
Basquiat n’aura jamais cessé d’utiliser la bombe à peinture, son premier outil de création artistique.

JM Basquiat est né en 1960 à Brooklyn (NY). Il est d’origine portoricaine et haïtienne, ce qui va considérablement se sentir dans ses tableaux. Il commence sa carrière artistique en tant que graffeur, à la fin des années 70, sous le pseudonyme de SAMO (comprenez, « Same Old Shit », « toujours la même merde »). Il peint de façon énergique sur les murs de Manhattan, mettant en scène de nerveuses représentations, pleines de symboles déjà propres à lui-même. Basquiat se fait progressivement repérer par des émissions télévisées traitant d’art underground, puis par certains journaux et revues, avant de participer à plusieurs expositions collectives de jeunes artistes.

Cadillac Moon 1981 (a été vandalisée au MAM)

Il laisse entendre la mort de « Samo » en graffant « Samo is dead » dans plusieurs quartiers de New York, où il commence à se faire un nom. C’est ainsi qu’il signe sa première toile par son vrai nom et prend le virage radical de la revendication comme véritable artiste. Après plusieurs expositions personnelles, dont la première est organisée par la galerie Annina Nosei à New York, il entame une collaboration avec Andy Warhol à partir de 1983. Seulement, la critique très dure face au travail des deux artistes poussera Basquiat à s’éloigner de Warhol et à se recentrer sur son propre cheminement artistique.

Basquiat & Andy Warhol – 6.99

Devenant peu à peu, plus qu’une étoile montante, mais une valeur sûre de la scène artistique internationale, son iconographie s’enrichit et se complexifie à mesure que sa consommation de drogues augmente en flèche. Il révolutionne le support de sa peinture, en laissant de côté les toiles de lin habituelle, et en construisant lui même ses propres toiles, dont les montants sont faits de monceaux de bois trouvés ça et là, ou alors en peignant carrément sur des pans de murs en bois, arrachés à des logis en ruine.

Dustheads // Accros à la coke

Il meurt d’une overdose, à la suite d’un speedball, en 1988, à l’âge de vingt huit ans, laissant derrière lui plus d’un millier d’œuvres, toiles et dessins compris.

L’exposition rend compte de ce parcours assez peu commun. On passe par toutes les périodes de Basquiat, à travers une centaine de toiles. Le parcours biographique de Basquiat est expliqué de façon assez exhaustive sur les murs de l’exposition. On peut cependant déplorer le peu d’explication sur les œuvres en elles-mêmes, d’autant que l’iconographie des peintures de Basquiat est d’une richesse et d’une diversité peu communes. Entre références à la drogue, aux milieux urbains, mais aussi aux mythologies telles que le vaudou ou bien à la religion chrétienne et à son iconographie, on vogue au milieu de l’univers explicite de l’artiste, plein de couleurs et d’explosions qui manifestent paradoxalement une innocence presque sombre. Le parallèle troublant, avec l’Art Brut, ou plutôt les recherches picturales de Jean Dubuffet, après guerre, peut être fait sans aucun doute, car les tableaux qu’on croise dans cette exposition sont un rien aussi troublants et interrogateurs. L’exposition est assez longue, c’est pourquoi on sort, avec un mal de dos, mais aussi beaucoup d’admiration et de curiosité, si on ne connaissait pas bien Basquiat auparavant. La richesse du catalogue est à mettre en avant, car beaucoup des chefs d’oeuvres de Basquiat, mondialement connus, sont présents et ont été rapatriés depuis les Etats Unis et des grands musées européens.

Le prix de l’exposition est dérisoire. Vous paierez 8€ si vous avez moins de 25 ans, et 11€ pour les autres. Profitez-en.

Diane de Nettencourt naît de la petite noblesse, ruinée au cours du XIXème siècle, par la prise de pouvoir bourgeoise et industrielle; cependant, c’est par les hommes et son extrême beauté alliée à sa vivacité d’esprit qu’elle va réussir son ascension sociale la menant tout au haut de l’aristocratie, alors que la particule même de son nom de famille ne valait alors plus grand chose. C’est une nouvelle femme du XXème siècle, elle choisit elle-même ses fiancés, se démarquant des habitudes de la noblesse et assure à elle seule la remontée sociale de toute sa famille. Très bien entourée, maîtresse du grand industriel Wisner, elle ne sera donc pas même inquiétée lorsque l’activité honteuse de son mari, Georges, un usurier, sera dévoilée au grand jour et qu’elle devra, par « morale », le quitter.

Catherine Simonidzé est l’incarnation du féminisme dans le livre. Elle vit, comme sa mère, sur l’argent que leur envoie son père, resté en Géorgie où il gère ses puits de pétroles. Madame Simonidzé a élevé Catherine, mais non pas sa grande soeur Hélène – envoyée dans un pensionnat -, dans la haine du capitalisme et la ferveur donnée, de façon spirituelle en tout cas, au peuple ouvrier. Lors d’un voyage en Suisse, Catherine assiste à la mort d’un ouvrier d’à peine son âge, assassiné par ses patrons assaillis par la grève ; sa haine du patronat n’en sera que plus intensifiée et sa compassion pour le prolétariat en deviendra à ses yeux absolument pur. Mais, lorsqu’à Paris, elle sera directement en contact avec les milieux anarchiste, socialiste, communiste ouvriers, incarnés par Victor ou encore l’anarchiste Albert Libertad, elle ne pourra que constater qu’un fossé la sépare irrémédiablement de ceux qu’elle défend corps et âme : la pension du puits de Bakou, envoyée chaque mois par ce père dont elle ne sait quasiment rien.

Clara Zetkin apparaît comme l’incarnation d’un socialisme féministe et pacifique, intelligent et engagé. Cependant, si Aragon en fait, de par son regard externe sur son oeuvre, comme un des personnages majeurs des Cloches de Bâle, il n’en reste pas moins que la partie la concernant ne contient que trente pages et surtout juste une ébauche de ce qu’est le héros Clara Zetkin, femme politique allemande des XIXème et XXème siècles, fermement engagée contre la première guerre mondiale et pour la place des femmes dans l’organisation de la société.

Ce qui est intéressant dans ce roman, c’est la trame de l’histoire, extrêmement bien ficelée par Aragon pour chacune de ses héroïnes : se mêlent volontiers personnages imaginaires et réels, faits inventés et faits historiques, au milieu d’explications très poussées sur les contextes économiques et sociaux de la période du début du siècle. Le romancier réussit par ailleurs à donner à ses personnages des âmes et des parcours très complexes, très réalistes, mais aussi passionnants, puis il les fait tous se rejoindre indirectement, à la fin de son livre, lors du Congrès de Bâle, en 1912.

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L‘Œuvre nous plonge dans le Paris artistique du XIXeme avec ses salons et ses vendeurs de tableaux, mais aussi dans la misère de ses artistes dont le talent n’est pas reconnu. C’est à cette dernière catégorie qu’appartient Claude Lantier, peintre provençal venu à Paris chercher la reconnaissance de ses pairs. Sa peinture flamboyante voire criarde dérange, ses motifs incohérents et obscènes invitent au rire. Claude se situe en dehors des conventions de la peinture académique et voit ses tableaux rejetés du Salon. Il prône un art résolument réaliste qui serait une fenêtre sur la vie. Cette vision est partagée par un petit groupe d’amis qui l’entoure : Sandoz l’écrivain et ami d’enfance de Claude souhaitant retranscrire la réalité sociale et politique de son époque, Mahoudeau le sculpteur qui entretien une relation charnelle avec ses productions, Jory le journaliste critique d’art… Tous ces artistes sont plus ou moins confrontés à la misère et à l’incompréhension du public.

L’intrigue majeure de l’ouvrage repose sur la relation amoureuse qu’entretiennent Claude et Christine. Les deux amants s’installent à la campagne où la peinture laisse place à un amour passionnel. Mais Claude devient de plus en plus sombre et tourmenté. Le couple finit par revenir à Paris où Claude songe alors à peindre son œuvre, une perspective du port Saint Nicolas, mais sa nature nerveuse et perfectionniste le plonge dans des hallucinations qui lui seront fatales. Tout l’intérêt de l’ouvrage repose sur la réflexion de l’artiste face à son œuvre. Zola met en scène le doute, l’insatisfaction perpétuelle, « la souffrance abominable qu’est l’enfantement d’une œuvre » . Ces interrogations se transforment en de sombres tortures qui viennent hanter le cerveau névrosé de Claude.

Le second intérêt du roman est sa valeur autobiographique. Comment ne pas reconnaître Zola sous les traits de Sandoz et Paul Cézanne sous ceux de Claude. L’auteur nourrit son roman de l’amitié qui liait les deux hommes. On retrouve notamment la jeunesse provençale d’Emile et Paul, quand armés de plumes et de couleurs, ils battaient la garrigue à la recherche de motifs. Le roman fait aussi référence à l’éclatement du cercle impressionniste qui figure comme la fin de l’amitié entre Cézanne et Zola.

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C’est ainsi que naît le projet 28 millimètres dont le nom vient de l’objectif utilisé par le photographe tout au long de cette série de portraits mettant en scène des jeunes de cité en train de faire des grimaces toutes de plus en plus ridicules. Affichées illégalement la nuit sur des façades, ce projet a pour but évident de caricaturer la peur du français moyen. Petit à petit, JR commence se construit une solide notoriété, étant notamment très proche avec le collectif indépendant Kourtrajmé qui commence lui aussi à faire parler de lui. Il commence alors à voyager, ne se limitant plus aux murs de Paris, allant afficher ses photos dans à peu près toutes les villes d’Europe. Afin de clore cette première étape, un premier livre parait quelque temps après, reprenant tous les portraits, agrémentés des témoignages des jeunes ayant posé et se voit convié au festival de la photographie à Arles.

Mais déjà, JR est sur un autre projet. Visant plus grand encore, il réunie un Imam, un Rabin et un Prêtre afin de les faire poser, toujours sur le ton de la grimace et de la caricature dans un projet nommé Face 2 Face. L’objectif ? Affiché sur une large partie du mur encerclant la bande de Gaza ces photos. Afin d’agrémenter ces quelques portraits, il invite des jeunes Israéliens et Palestiniens dans des diptyques. Cette exposition rencontre un vif succès et surtout une forte médiatisation.

Depuis, JR parcourt le monde. Son troisième projet nommé « Women are heroes » photographie les yeux de femmes du tiers monde. Ayant retapissé une favela de Rio de Janeiro de ces regards, mais aussi des bidonvilles Africains entre autre, il s’applique à ouvrir des centres culturels à l’intérieur de bidonvilles.

Les sillons de la ville, son projet le plus récent mets en avant des personnes âgées, la plupart des expositions sur ce thème ont été faîtes en Espagne.

JR continue à afficher la nuit de moins en moins clandestinement ses œuvres mais toujours avec la volonté de toucher la plus grande partie de la population et d’apporter l’art dans la rue, et, en quelques sortes, le désacraliser. N’ayant pas quitté son objectif de 28 millimètres, ses portraits semblent toujours aussi palpable et puissant

La totalité de son travail est disponible sur son site web : JR-Art.

Autres articles sur l’art urbain :
- L’Art Urbain, Part 2 – Banksy Wall and Piece
- L’Art Urbain, Part 3 – Musique et rue : du Slam au Rap en passant par la chanson française

Louis Aragon dresse dans ce roman, quatrième du cycle du Monde Réel, le portrait d’un amour ambigu, à la fois profond et superficiel, mal dirigé, timide, improbable, tout en transmettant l’émotion que peut donner l’espoir, le rêve, la croyance en quelque chose qu’on croit alors plus que réel : absolu. Pour moi, un des plus géniaux romans d’amour.

Autres livres d’Aragon sur le Hangar : Les cloches de Bâle

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Paris frémit et respire
Un vertige d’automne

Tout est achevé ta nuit
La mienne
Et l’aube transperce les volets
Et mes yeux
Et mon cœur

Car vous déroberez
toi et cet autre, cette effusion
de nous, ce soupçon
de mutuel dégoût

Dans quelques heures,
jours, semaines.
il ne restera que mes pleurs
autant que je ne m’en souvienne

Partez, toi et tes fausses promesses
quittez ce lit pour que d’autres
accaparent votre place au plus vite

Paris frémit et respire
Un vertige

une nausée.

Par Marian

Avis et critiques sont les bienvenus.

Le Spleen de Paris est un recueil auquel Baudelaire consacre les dernières années de sa vie et qui sera publié intégralement deux ans après sa mort , en 1869 (NDLR).

Il faut d’abord éclaircir une chose : ces poèmes ne sont pas écrits en mode poésie comme les textes de St-John-Perse, Macé, et plusieurs autres le sont. Ce sont des sujets qui, à travers les cinquante textes, ont interpelés l’auteur par leur singularité — beauté, laideur, cynisme, étrangeté, etc. — et ont justifiés leurs places dans ce recueil, qui traite donc poétiquement ou comme les sujets d’un poème classique les thèmes retenus, mais avec une écriture prosaïque. Donc, ces textes sont un format rétréci de la nouvelle et même du roman, et on peut leur conférer le titre de poèmes pour leur densité et l’impression qu’ils laissent. Sinon, il faudrait se poser la question : comment appelle-t-on ces courts textes, qui deviendront si personnels et poétiques avec les Illuminations (recueil de 54 poèmes composés par Arthur Rimbaud entre 1872 et 1875, NDLR), si ce n’est qu’ils sont des poèmes en étant l’ancêtre des poésies en prose, voire le germe et la première racine? Baudelaire n’a-t-il pas été le premier à donner le titre de Petits Poèmes en Prose à cette même œuvre qui fut la première à oser cette forme de textes et de poésie ?

C’est toute la définition de la prose poétique qui s’éclaire à la lecture de ces textes. Oui, il y a une certaine densité, mais nous sommes loin des successeurs. Il y a, avec ces textes, une base à laquelle nous pouvons revenir : une prose plus détendue et moins poétique, mais qui rappelle que l’important est de bien choisir son sujet, puisque l’on lui confère l’étiquette de poésie d’emblée.

La préface et l’introduction, qui font ensemble 100 pages, tentent de retracer les origines premières des poèmes en prose ou de la prose poétique et, en éludant Nerval, par exemple, passe droit à côté du but. Déjà, jadis, certains romans affectionnaient un style affecté, comme À rebours (roman de Joris-Karl Huysmans paru en 1884, NDLR), mais Baudelaire fut un des premiers à casser ou former le moule pour les générations suivantes. Voilà un des intérêts indéniables de ce livre. Baudelaire était un créateur hors-pair. Et la suprême pertinence des valeurs romantiques gardent ce livre d’une actualité cuisante. En sont témoins les poèmes sur Paris, sur la société, sur l’art, sur la vie pauvre ou riche, etc, etc.

Les amateurs de prose narrative seront servis, comme avec le tome de la Pléiade contenant tous les courts textes de Kafka, mais pour la poésie, il faut aimer le Romantisme ou aller vers des formules plus métaphoriques des Fleurs du mal (recueil de poèmes de Baudelaire, publié en 1857, NDLR). C’est en quelque sorte la poésie mise à nue, sans carcan ou corset, et la prose qui danse entre prosaïsme et poésie. Baudelaire a le mérite d’avoir le premier découvert cette forme dont on ne peut maintenant se passer.

par Frédéric Marcotte

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