Maïakovski est l’un des plus grands poètes de la littérature russe contemporaine. Sa vision du monde et la façon dont il l’a retranscrite dans ses écrits ont considérablement influencé ses contemporains et ses prochains. Se revendiquant de l’école futuriste, courant qu’il a largement propagé et dont il a participé à la création, il a, en concordance parfaite avec son époque, mis en avant une vision révolutionnaire de la poésie et du langage poétique. Vladimir Maïakovski a basé tous ses écrits sur une contestation permanente du passé poétique de la littérature. Il a en effet très largement critiqué les grands symbolistes russes (représentés notamment par Innokenti Annenski, le « Mallarmé russe »), voyant dans leur courant un peuple d’écrivain prostrés par l’amour, enfermés dans leur vergue sentimentale et complètement passéistes. Cette contestation ne s’est pas faite par les simples discours, puisque tout dans la poésie de Maïakovski s’éloigne du passé. En effet, c’est avec le présent que cette poésie évolue, ce sont les progrès technologiques et urbains du début du XXème siècle qu’elle met sans cesse en avant, c’est l’amour épuré des condoléances, c’est le vacarme assourdissant des grandes villes, l’effacement progressif de la présence religieuse dans la société, l’avant-garde talentueuse du début du siècle (à travers de nombreux artistes présents notamment à Paris). Le programme du futurisme est ainsi la base de l’explosion artistique venue de la Russie soviétique dans les années vingt : Kasimir Malevitch, Marc Chagall, Sergueï Eisenstein, Vsevolod Meyerhold, pour ne citer qu’eux. Si tous ces artistes d’avant-garde, qui ont précédé et suivi le futurisme, ne se revendiquent pas forcément de celui-ci, il est néanmoins à noter que ce courant a eu une réelle influence sur l’évolution globale de l’art russe jusque dans les années trente.

Maïakovski était un personnage, une légende. Si bien que ses dons d’orateurs et de récitants, sa personnalité particulière, le romantisme ambiant de son existence, son militantisme permanent, et son cillement constant entre joie et tristesse, en ont fait un personnage devenu dangereux pour le Parti, qui brigue un art partial, dans tous les sens du terme. La conventionnalité de l’art communiste est définie, et Staline, succédant à Lénine, exige comme ce dernier un art qui exalte le peuple et le Parti Communiste. Si certains ont bien plus mal vécu ce phénomène – je pense notamment à Dmitri Chostakovitch, compositeur qui, s’il ne s’est pas exilé par amour pour sa patrie, a vécu toute une partie de sa vie dans la misère et la peur, malgré sa popularité mondiale – Vladimir Maïakovski ne voit aucun problème à exalter le peuple et le communisme. C’est ce qu’il fait notamment avec Mystère-Bouffes en 1920, une pièce de théâtre qui oppose monde capitaliste et monde prolétaire et dans lequel tout le monde se retrouve au paradis après la victoire du peuple sur les « impurs ». Ou encore avec le poème 150 000 000 qui exalte les cent cinquante millions d’âmes qui peuplent alors la Russie. On peut parler pour cela d’un paradoxe Maïakovski…

En effet, la poésie de Maïakovski a ouvert de nombreuses discussions entre ses contemporains, qui l’ont souvent décomposée en éléments contradictoires inégalement appréciés. On attribue ainsi une importance primordiale à la nouveauté de son langage poétique, et au relief tourmenté de sa personnalité lyrique, en regrettant cependant l’outrance de son engagement communiste. Néanmoins, malgré cette dernière caractéristique, l’intelligentsia communiste n’a jamais réservé ses nombreuses critiques à l’égard du poète, notamment à propos de sa novation formelle. Ce qui ne plaît pas, c’est que ce qui prime chez l’écrivain sont ses propres idées, sa propre vision des lettres, plutôt que celles du Parti, malgré le thème de l’exaltation du communisme.

Maïakovski est l’homme de quelques idées fondamentales sur l’art obstinément défendues en toutes circonstances et qu’on retrouve à la source de toutes ses démarches créatrices. Elles sont en outre ses fers de lance dans la création du futurisme en 1917. Le poète est un des grands découvreurs de nouvelles zones d’expressivité du langage russe : intonations, organisation de sons, élargissement du vocabulaire, forme très orale. La révolution russe n’y est pas pour rien : en effet, la tâche centrale qui incombe à une génération est d’exprimer la réalité nouvelle d’une époque, et qui dit révolution des âmes dit révolution des lettres, il fallait ainsi placer au centre du matériau expressif une structuration différente du langage, l’expression de thèmes relativement libérés et novateurs. C’est pourquoi les futuristes, à l’instar des cubistes, mettent au centre de leur sensibilité les images qui incarnent l’homme nouveau du XXème siècle, et donc la nouvelle beauté qu’il promeut : le grand monde urbain, artificiel et prométhéen de la technique, de l’industrie. D’où une écriture si géométrique, explosive, rugueuse, anguleuse, et un certain penchant général à la provocation.

Votre pensée,
qui rêvasse sur votre cervelle ramollie,
tel un laquais obèse sur une banquette graisseuse,
je m’en vais l’agacer
d’une loque de mon coeur sanguinolent
et me repaître à vous persifler, insolent et caustique.

Le Nuage en pantalon, 1914

Maïakovski justifie ses écrits en 1917 par la déclaration suivante : « La poésie du futurisme, c’est la poésie de la ville, de la ville contemporaine. La ville a enrichi nos expériences et nos impressions d’éléments nouveaux qu’ignoraient les poètes du passé. Nous, citadins, nous ignorons les forêts, les champs et les fleurs, [il raille ici le symbolisme] nous ne connaissons que les tunnels des rues avec leurs mouvements, leur bruit grondant, leurs lueurs fugitives, leur éternel va et vient. Le mot ne doit pas décrire, mais exprimer par lui-même. Le mot a son parfum, sa couleur, son âme. Or le rythme de la vie a changé. Tout a acquis une rapidité fulgurante comme sur les bandes du cinématographe. Les rythmes lents, calmes, réguliers de l’ancienne poésie ne correspondent plus au psychisme du citadin d’aujourd’hui. La fièvre, voilà ce qui symbolise le mouvement de la vie contemporaine. Dans la ville, il n’y a pas de lignes régulières, arrondies, mesurées. Les angles, les ruptures, les zigzags, voilà ce qui caractérise le tableau de la ville. Dans le domaine du langage, ce sera la rudesse du ton parlé, des sonorités grinçantes ou rauques, les images brutales, aiguës comme des cure-dents. »

Mais l’engagement poétique n’est qu’une facette de l’innumérable poète Maïakovski. Bien souvent dans sa poésie, le théoricien laisse place au romantique, à l’éternel éperdu de sa Lili Brik. Il est l’auteur de monuments lyriques qui livrent le portrait d’une âme décidément regorgeant de sentiments, de ressentis, tourmentée par des aspirations hyperboliques, et par une insatisfaction tragique. « A la horde déchaînée de mes désirs, l’or de toutes les Californies ne suffirait pas. »

Par quelle nuit
                               délirante
                                                   fébrile,
quels Goliaths m’ont conçu
                                                        si grand
et tellement inutile

Sans doute réellement insatisfait, le poète se donnera la mort le 14 avril 1930, d’une balle dans le cœur : « Le canot de l’amour s’est fracassé contre la vie (courante). Comme on dit, l’incident est clos. Avec vous, nous sommes quittes. N’accusez personne de ma mort. Le défunt a horreur des cancans. Au diable les douleurs, les angoisses et les torts réciproques ! … Soyez Heureux ! [...] Maman, mes sœurs, mes amis pardonnez-moi – ce n’est pas la voie ( je ne la recommande à personne ) mais il n’y a pas d’autre chemin possible pour moi. Lili aime-moi ! »

Voir aussi sur le Hangar : Le nuage en pantalon, Vladimir Maïakovski
Sources : Vers (1912-1930, Editions de l’Harmattan), Encyclopédie Universalis (éd. 1983), La culture poétique de Maïakovski (N. Khardjiev, V. Trenine, trad. Gérard Conio).

C’est la rentrée, le Hangar reprend enfin son activité après quatre mois d’interruptions. Tout d’abord, nous vous devons des excuses pour ce passage à vide, à vous lecteurs, comme à notre équipe. Différentes raisons expliquent cet arrêt. Tout d’abord, un problème d’ordre informatique a empêché toute connexion au site durant plusieurs mois. Ce problème n’a pu être résolu que très récemment, et une lente mise à jour du système interne du site a alors eu lieu.

D’autre part, le temps a manqué à Hazel et moi-même, car ayant été reçus à l’école du Louvre, nous avons dû déménager depuis Montpellier jusqu’à Paris, ce qui a été long et fastidieux. Enfin, les aléas de nos petites vies ne vous intéressent surement pas plus !

Cependant, ils devraient ! Car grâce à la formation que nous recevrons durant les prochaines années, nous pourrons vous faire partager de nombreux articles ayant trait à l’histoire de l’art, à l’archéologie, et ainsi enrichir le site des multiples connaissances dont il manque encore aujourd’hui !

Nous vous remercions chaleureusement d’être encore là, à nous lire, et vous promettons de nombreux articles très intéressants pour bientôt !

D’autre part, n’oubliez pas de rendre visite au mur des créations, afin de lire les nombreux textes que vous nous avez envoyé cet été. Et n’oubliez pas non plus, que vous aussi, pouvez participer au Hangar, soit en postant directement vos créations sur le mur (des instructions précises vous y sont données), soit en nous envoyant par mail vos critiques, articles, voire textes ou photo (visitez cette page).

Bien à vous et à très vite,

Novembre & Hazel

Une de mes professeurs de littérature au lycée m’avait à l’époque raconté que ce qui expliquerait la brièveté de ce livre (comparez le à l’Archipel du Goulag ou au Pavillon des Cancéreux) serait justement le fait que Soljenitsyne ait commencé à l’écrire à l’intérieur même du goulag, pendant sa peine de huit ans. L’absence de matériel d’écriture dans un tel lieu expliquerait alors l’obligation qu’il eut de se remémorer ses écrits, dans sa tête, jour après jour, phrase après phrase. Quoiqu’il en soit, on ne peut nier que l’expérience de l’auteur a une part forte dans ce livre, puisqu’il a été publié dans le but de dénoncer la banalisation de la vie dans les camps de travail sibériens. C’est toute l’importance de cette oeuvre formidable : on suit le héros dans sa vie, en découvrant un lieu d’une atrocité rare, avec des conditions météorologiques, conditions de travail, de vie, extrêmement éprouvantes. Chaque jour qui passe au goulag est comme un jour d’une vie qui tend à s’échapper, chaque jour qui s’additionne à un autre est comme un cheminement habile et parfois chanceux sur un fil au dessus du vide.

C’est en suivant le héros de ce livre, Ivan Denissovitch Choukhov, archétype du paysan de base russe, mais personnage néanmoins très attachant, que l’on se rend compte que la condition des détenus du goulag devient banalisée par l’obligation de survivre. Ainsi, le héros nous dit qu’il est prêt à oublier tout son passé, son présent, et son avenir entiers, mais qu’il ne peut chasser de son esprit le ridicule bouillon distribué le soir. Au delà de cette banalisation, la description de la vie en communauté dans le camp est très intéressante, voire captivante. Comme Soljenitsyne n’en dresse pas un portrait forcément répugnant, mettre en confrontation le face à face avec la mort et le vivre ensemble donne en lui-même un résultat humain auquel on s’attache très vite, autour de personnages tels que Pavlo, le chef de brigade, ou César, un intellectuel moscovite à qui Choukhov rend de nombreux services. Les échanges de bons procédés, autant que les vols ou les mauvais coups, font ainsi partie intégrante de la vie dans le goulag.

Tout le chef d’œuvre de ce livre, mais aussi ce qui l’a rendu pour moi presque décevant, c’est le fait que l’action ne se déroule que sur une journée. Car le style de Soljenitsyne, empreint de cynisme et d’humour, parfois même de grossièreté, nous donne envie de continuer continuer et encore continuer à lire cette histoire, découvrir d’autres tâches, d’autres travaux, d’autres schémas de la vie quotidienne au goulag.

Au final, ce livre nous offre un paradoxe tout particulier, et c’est ce qui en fait sa rare qualité : Soljenitsyne dans cette œuvre majeure de la littérature russe du XXème siècle, nous offre, à travers la peinture d’une prison, une formidable évasion.

J’ai le plaisir de vous annoncer l’ouverture de notre Mur des Créations !

Le concept est très simple : vous permettre de partager directement vos créations aux yeux de tous sans passer par le contact via le formulaire du site ou notre adresse mail (qui restera bien évidemment active pour toutes vos questions !), et d’avoir des retours de la part des lecteurs du site et de l’équipe dans les commentaires !  Cela ressemble en fait au mur de Facebook, que vous avez sur vos profils. Il vous suffit de vous rendre sur la page « Mur des Créations » (lien en haut) où vous pourrez voir la liste de toutes les créations déjà postées. De plus amples instructions vous guideront sur la manière de poster l’une des vôtres ! Si une de vos créations tape dans l’œil du jury du site, elle sera alors publiée sur la page d’accueil !

Naturellement, l’équipe gardera une modération afin de supprimer tous messages publicitaires ou ne respectant pas la charte du site !

En attendant vos premières contributions,

Bien à vous

Novembre et Hazel.

Comme nous vous l’avions promis, le Hangar a fleuri de nombreuses nouveautés ! Nous avons beaucoup réfléchi sur le concept communautaire du site et avons pris la décision de le renforcer au maximum. C’est pourquoi vous pouvez désormais vous inscrire sur le site et partager toutes vos impressions, découvertes culturelles directement. Les articles que vous nous proposerez seront soumis à relecture afin d’éviter toute mauvaise surprise.

Le compte dont vous disposerez sur le Hangar vous permettra aussi de faire d’autres petites choses. Vous aurez en effet une messagerie interne, bientôt un forum, et la possibilité d’ajouter d’autres membres dans vos amis.

Une autre nouveauté est celle de l’installation d’un compte FlickR. Il va rassembler toutes les œuvres picturales que vous nous enverrez et qui passeront en article. Vous les retrouverez donc, à la fois sur le blog, et dans le petit encart « Vos créations » sur le menu de gauche !

Pour l’instant la version du site est encore « bêta » c’est pourquoi vous pourrez parfois rencontrer de petits problèmes, ainsi qu’un design parfois un peu simpliste ! Mais ne nous décourageons pas, nous continuons à travailler pour optimiser le site !

Merci à tous de nous avoir suivi jusque là, en espérant recevoir bientôt vos premiers articles !

Beigbeder, peut-être inconsciemment, ou en tout cas, indiciblement, se veut le Céline du troisième millénaire. Je crois que c’est raté. Malgré un vocabulaire cru, qui dans ce livre est parfois relevé de quelques jolies phrases travaillées, il n’en reste pas moins que le Céline que l’on connait, développait un cynisme dénonçant. Une honnêteté (pas toujours réelle d’ailleurs, quand un antisémitisme omis dans certaines de ses œuvres majeures, se révéla dans Bagatelles pour un massacre) qui se voulait substantive d’une société où le « nihil », le non-sens, l’absurdité pré-sartrienne prenait fonction de vérité. Le cynisme de Beigbeder est en revanche plaintif. Si l’on doit lire ce livre, dit Houellebecq dans la préface, c’est notamment pour son honnêteté. Houellebecq est un généreux ami. L’honnêteté de Beigbeder s’initie dans ses frasques cocaïnomanes et ne les quitte pas une seule seconde. Rien à voir avec l’honnêteté mise en avant par les pontes de la théorie autobiographique et appliquée dans des œuvres archi-vieilles et pourtant si peu vieillissantes telles que les Mémoires d’outre-tombe de Chateaubriand, celles de Mauriac, de Lanzmann plus récemment, ou même parfois, celles de notre ami Rousseau tant Beigbeder semble risible. L’honnêteté intellectuelle. Et non pas, celle de la connerie; comme si le fait de se justifier comme parfait con en rédemption devait permettre d’appartenir au genre humain. Ou comment écrire l’inintéressante biographie de quelqu’un de peu intéressant, se revendiquant comme tel. Mais cela ne s’arrête pas là (sauf peut être le peu de cynisme), il faut ensuite appuyer l’auteur dans son idée générale. Laquelle est que la souffrance du bourgeois-aristocrate, le pistonné, le nanti en somme, est égale à celle du pauvre gamin des banlieues. Car si ce dernier souffre de la faim et du manque de confort, biens dont l’auteur assure n’avoir jamais manqué, Beigbeder quant à lui souffre de l’insuffisance de mémoire, et du pauvre manque de confiance inspiré pour lui par son frère Charles, et évoqué pathétiquement dès le début du livre par le mot « leucémie » enfantine. Selon lui, le gosse des banlieues qui sniffe est égal au bobo de Neuilly ? La souffrance est égale, les conditions mêmes, les raisons différentes.

Après ce genre de discours, quoi de plus simple que de se rendre humain en décrivant des sentiments que tout le monde a connu ? Je préfère tellement Rousseau qui avoue, honteux et malicieux tout à la fois, le vol du Ruban dans les Confessions, au Beigbeder qui m’avoue avoir rougi, pivoine, devant chaque fille ou femme qu’il a aimé, même du temps de son appareil dentaire. Je préfère tellement Descartes qui avoue son béguin pour les femmes « louches », au Beigbeder qui estime normal de s’envoyer en l’air avec une fille de seize ans consentante. Je préfère tellement le jeune des banlieues enfermé en garde à vue, frappant contre les barreaux de sa cellule, au Beigbeder la jouant insolent intellectuel devant le commissaire du huitième. Et encore une fois, et c’est peu difficile à dire, je préfère un écrivain qui la joue honnête, qu’un Beigbeder qui s’autocensure pour le compte de son éditeur (Grasset, lauréat de trois Goncourt et trois Renaudot depuis quinze ans), craignant des représailles avec un juge.

La vie de Beigbeder ne m’a pas intéressé, elle n’a rien de romanesque et ne suffit en rien au titre de ce bouquin, même de façon dérisoire. Pourquoi ? Parce que la revendication d’une vie inintéressante dans une autobiographie ne suffit pas à justifier une telle œuvre. Et c’est justement là qu’on retrouve la raison première des écrits de Beigbeder, revendiquer le non-sens comme justification à lui-même. Éviter le courage en le remplaçant par un non-courage qui amène à une dite honnêteté. En terminant ce livre, je me demande qui a offert le Prix Renaudot à Beigbeder. C’est peut-être la seule question qu’il m’aura fait me poser.

Nous vous rappelons que l thème était « La Naissance », qu’on pouvait bien évidemment interpréter de toutes les manières possibles. Il y avait, cette fois-ci, deux catégories : Littérature et Art Pictural. EN ce qui concernait la catégorie littéraire, il était possible de fournir de courtes nouvelles, des poésies ou bien des passages de théâtre (mais nous n’en avons pas eu !), et pour la catégorie de l’art picturale, des créations en tout genre étaient acceptées : photos, peintures, dessins, sculptures, BD, etc.

Mais sans plus attendre, voici les résultats de ce concours, qui récompensera les gagnants par les lots inscrits lors du premier article.

Concours pictural :
Le gagnant est Eric Mary, avec Éclosion, magnifique photo macro. Il a recueilli 26 de vos voix. Félicitations à lui.
Viennent après lui, de très très près, Caroline – Sans Titre avec 25 voix, Louise à ta Guise – Il n’y a pas que les garçons qui naissent dans les choux ! avec 24 voix, puis Mathias Garanger – Pas le temps : naissance d’une forme avec 13 voix, et enfin Marie-France Zajak-Soler – Renouveau avec 5 voix. Félicitations à eux aussi et merci d’avoir participé.

Concours littéraire :
Le gagnant est Matthias Moreno, avec Extrait d’une famille nombreuse. Il a recueilli 28 de vos voix. Bravo !
Viennent à sa suite, Inès Ben Younès – Sans titre avec 21 voix, Matteo – Il était deux fois… avec 13 voix, Lila – Sans titre avec 10 voix, et enfin, Tiniak – Le Compas avec 7 voix. Félicitations à eux et merci pour leurs participations.

Les grands gagnants recevront donc respectivement l’album Robert Doisneau chez Taschen, et le Prix Fémina 2010, Naissance d’un pont, de Maylis de Kerangal. Nous prendrons contact avec eux dès ce week-end pour finaliser l’envoi des lots.
Merci à tous pour vos participations et tous vos commentaires !

Le Hangar songe à organiser un nouveau concours artistique au printemps ou en été : nous n’avons pas encore d’idées ni pour le thème ni pour le déroulement ni pour la date, mais nous vous communiquerons cela en temps voulu ! Tout le monde sera invité à participer. En attendant, nous vous invitons à nous envoyer, comme en temps normal, vos chroniques et créations en tout genre en cliquant sur « publiez vos créations » dans la colonne de droite, tout en haut !

Bien à vous !

Comment avons-nous fait nos choix ?
Nous avons reçu 30 textes et 25 images. Chaque membre du jury a ainsi remis une sélection de dix de vos créations pour chaque catégorie, par ordre de préférence. Enfin, deux sélections de cinq créations ont été dégagées de ce scrutin, en fonction du nombre de fois que chacune d’entre elles a été citée.

Le thème
Cette année, nous avons choisi le thème de « La naissance ». Il a été exploité dans beaucoup de ses possibilités ; vous avez pensé à la naissance humaine ou animale, à la naissance de l’amour, la naissance d’une nouvelle année, ou encore d’une idée.

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Les sélectionnés dans la catégorie Art Pictural :

1) Il n’y a pas que les garçons qui naissent dans les choux ! – par Louise à ta Guise.
Cliquez ici pour voir l’image et sa légende

2) Sans titre – par Caroline.
Cliquez ici pour voir l’image et sa légende

3) Renouveau – par Marie-France Zajak-Soler.
Cliquez ici pour voir l’image et sa légende

4) Pas le temps : naissance d’une forme – par Mattias Garanger.
Cliquez ici pour voir l’image et sa légende

5) Éclosion – par Eric Mary.
Cliquez ici pour voir l’image et sa légende

Maintenant, à vous de voter ! Nous vous rappelons que les adresses IP subissent un contrôle automatique, qu’il est donc impossible de tricher. N’hésitez pas cependant à parler du concours autour de vous, sur vos blogs, afin que vos lecteurs puissent venir vous encourager et découvrent le Hangar par la même occasion !

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Les sélectionnés dans la catégorie Littérature :

1) Extrait d’une famille nombreuse – par Matthias Moreno.
Cliquez ici pour le lire

2) Sans titre – par Lila.
Cliquez ici pour le lire

3) Sans titre – par Inès Ben Younès.
Cliquez ici pour le lire

4) Il était deux fois… – par Matteo.
Cliquez ici pour le lire

5) Le Compas – par Tiniak.
Cliquez ici pour le lire

Maintenant, à vous de voter ! Nous vous rappelons que les adresses IP subissent un contrôle automatique, qu’il est donc impossible de tricher. N’hésitez pas cependant à parler du concours autour de vous, sur vos blogs, afin que vos lecteurs puissent venir vous encourager et découvrent le Hangar par la même occasion !

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Nous tenons à remercier tous les autres participants : Caroline Deniau, Terrigeol, Raspoutine, Michel Geuroux, Sonia Touahria, MahaJeanne, Livy, Ann Miserey, Jossika, Nathalie Deygas, Ólöf, Angéline Braghini, Tago Dominique, Arthémisia, Jean-Marie Palach, Le Gyrovague, Ursula-andthe-Dude, Baugée, Arnaud Pastoret, Monique Akkari, Jean-François Pascolo, Noël Fries, Ahmed Brahim, Yann Tissier, Bénédicte Charles, Anita Lamberti, Mathieu Dominguez, Moreel Bruno, Sido, Christian Jamain, Luc Boyer, Zeb, Nataly Arguionn, Marie Sertillanges, Liliane Brisard, Michel Stoupak, Lignon Jackye, Marie Agnès Porcherot, Pierre Dauverchain, Didier Thibault, Critik-it, Gérard Méry, Dofin Raf,  Agnès Guyennon et enfin Christophe Gobbe.

Boy and Dog in a Johnnypump
Basquiat n’aura jamais cessé d’utiliser la bombe à peinture, son premier outil de création artistique.

JM Basquiat est né en 1960 à Brooklyn (NY). Il est d’origine portoricaine et haïtienne, ce qui va considérablement se sentir dans ses tableaux. Il commence sa carrière artistique en tant que graffeur, à la fin des années 70, sous le pseudonyme de SAMO (comprenez, « Same Old Shit », « toujours la même merde »). Il peint de façon énergique sur les murs de Manhattan, mettant en scène de nerveuses représentations, pleines de symboles déjà propres à lui-même. Basquiat se fait progressivement repérer par des émissions télévisées traitant d’art underground, puis par certains journaux et revues, avant de participer à plusieurs expositions collectives de jeunes artistes.

Cadillac Moon 1981 (a été vandalisée au MAM)

Il laisse entendre la mort de « Samo » en graffant « Samo is dead » dans plusieurs quartiers de New York, où il commence à se faire un nom. C’est ainsi qu’il signe sa première toile par son vrai nom et prend le virage radical de la revendication comme véritable artiste. Après plusieurs expositions personnelles, dont la première est organisée par la galerie Annina Nosei à New York, il entame une collaboration avec Andy Warhol à partir de 1983. Seulement, la critique très dure face au travail des deux artistes poussera Basquiat à s’éloigner de Warhol et à se recentrer sur son propre cheminement artistique.

Basquiat & Andy Warhol – 6.99

Devenant peu à peu, plus qu’une étoile montante, mais une valeur sûre de la scène artistique internationale, son iconographie s’enrichit et se complexifie à mesure que sa consommation de drogues augmente en flèche. Il révolutionne le support de sa peinture, en laissant de côté les toiles de lin habituelle, et en construisant lui même ses propres toiles, dont les montants sont faits de monceaux de bois trouvés ça et là, ou alors en peignant carrément sur des pans de murs en bois, arrachés à des logis en ruine.

Dustheads // Accros à la coke

Il meurt d’une overdose, à la suite d’un speedball, en 1988, à l’âge de vingt huit ans, laissant derrière lui plus d’un millier d’œuvres, toiles et dessins compris.

L’exposition rend compte de ce parcours assez peu commun. On passe par toutes les périodes de Basquiat, à travers une centaine de toiles. Le parcours biographique de Basquiat est expliqué de façon assez exhaustive sur les murs de l’exposition. On peut cependant déplorer le peu d’explication sur les œuvres en elles-mêmes, d’autant que l’iconographie des peintures de Basquiat est d’une richesse et d’une diversité peu communes. Entre références à la drogue, aux milieux urbains, mais aussi aux mythologies telles que le vaudou ou bien à la religion chrétienne et à son iconographie, on vogue au milieu de l’univers explicite de l’artiste, plein de couleurs et d’explosions qui manifestent paradoxalement une innocence presque sombre. Le parallèle troublant, avec l’Art Brut, ou plutôt les recherches picturales de Jean Dubuffet, après guerre, peut être fait sans aucun doute, car les tableaux qu’on croise dans cette exposition sont un rien aussi troublants et interrogateurs. L’exposition est assez longue, c’est pourquoi on sort, avec un mal de dos, mais aussi beaucoup d’admiration et de curiosité, si on ne connaissait pas bien Basquiat auparavant. La richesse du catalogue est à mettre en avant, car beaucoup des chefs d’oeuvres de Basquiat, mondialement connus, sont présents et ont été rapatriés depuis les Etats Unis et des grands musées européens.

Le prix de l’exposition est dérisoire. Vous paierez 8€ si vous avez moins de 25 ans, et 11€ pour les autres. Profitez-en.

Tortilla Flat reflète une nouvelle fois ce talent. On y suit l’histoire palpitante de Danny et de ses cinq amis, s’installant tous, les uns après les autres, dans la maison de Danny, au nom de l’amitié. Tous les thèmes sont traversés : la prohibition, la violence, l’alcool, les femmes, le vol, la misère des quartiers paisannos du Sud-Ouest des Etats-Unis. Pourtant c’est surtout l’histoire de l’amitié et de la liberté sans fin qui est mise en avant là, comme dans les autres livres de Steinbeck. Tout, dans ce fabuleux roman, n’est fait qu’au nom de l’amitié et d’une naïveté extrêmement troublante – et non moins touchante – qui habite chacun des personnages. Comme toujours chez Steinbeck, le rocambolesque, comme le presque-surnaturel, imprègne l’histoire, mais de façon presque naturelle. Comme si l’auteur avait trouvé la force littéraire de nous faire croire et vivre un monde parfaitement sincère. C’est une série de petites histoires rassemblant ces mêmes personnages que l’on va donc suivre avec grand intérêt, mettant en avant à chaque fois, une facette de l’amitié différente mais, exprimant toujours l’amour infini présent dans ce sentiment.

Bien que la fin du roman puisse paraître assez noire, elle n’entache pas cependant l’amitié des hommes. Même si la mort sonne le glas de l’histoire, c’est avec un esprit heureux que l’on referme la quatrième de couverture sur ces trois cents pages de bonheur. Il est difficile de résumer Steinbeck, cela revient à peu près au même que de résumer la sérénité et l’esprit bon enfant qu’on peut parfois contenir. C’est sans doute cette touche optimiste autour de l’homme qui me fait adhérer à son oeuvre. Tout en gardant bien en tête que la facilité et la légèreté de son style, parfaitement maîtrisés, sont caractéristiques d’un grand talent littéraire.

Autres livres de John Steinbeck sur le Hangar : Rue de la Sardine, Des souris et des hommes